Hacer una lista con lo mejor del año siempre es difícil porque cuesta dejar algunas películas fuera, y probablemente si hiciera la misma lista dentro de un mes me saldría un orden diferente o incluso incluiría alguna otra. Después de ver unos 120 estrenos puedo decir que 2013 ha sido un año muy potente, con bastantes películas memorables y seguro que me he dejado alguna buena por ver. Al igual que ha habido grandes films este año no puedo olvidarme de las dos horas y veinte minutos (y nueve euros) de sufrimiento de 'El hombre de acero', probablemente la mayor decepción del año, aunque hay otras cuantas. Pero mejor quedarse con lo bueno que es lo que se recordará dentro de unos años cuando se eche la vista atrás, así que aquí dejo mis 10 películas favoritas estrenadas en España en 2013:
26 diciembre, 2013
15 octubre, 2013
Crítica de "Una cuestión de tiempo"
Director: Richard Curtis
Reparto: Domhnall Gleeson, Rachel McAdams, Bill Nighy, Tom Hollander, Will Merrick, Margot Robbie, Rowena Diamond...
Estreno en España: 18/10/2013
Año de producción: 2013
País: Reino Unido
“Chico conoce a chica,
chica conoce a chico, chico y chica se enamoran. Sufren, pelean, lloran, ríen,
vuelven a llorar… más de un espectador llora, chico y chica se reconcilian, se
besan, unos espectadores suspiran
mientras otros miran el reloj, chico y chica se siguen besando, chico y chica
son felices para siempre”.
Quizá eso sea en lo primero que pienses cuando alguien te hable de ‘Una cuestión de tiempo’. Ya solo el cartel promocional y el currículum de su estrella femenina (Rachel McAdams) te harán creer que se trata de una comedia romántica más, con excesivas dosis de azúcar y un guión simple, aunque con el añadido de los viajes en el tiempo. Pero ¡NO! ‘Una cuestión de tiempo’ ofrece más de lo que en un principio te puedes esperar de ella, bastante más, sin centrarse en la simple conquista y enamoramiento de dos jóvenes, ya muchas veces visto. La película aborda otros temas y situaciones con los que todos nos podemos encontrar en una relación de pareja, en la amistad, en la familia (crucial el papel de ésta en el metraje) además de ofrecer una reflexión sobre las consecuencias de nuestros actos, las oportunidades que la vida nos ofrece o arrebata y el tiempo que tenemos para aprovechar nuestras vidas.
19 septiembre, 2013
Crítica de "jOBS"
Director: Joshua Michael Stern
Reparto: Ashton Kutcher, Josh Gad, Dermot Mulroney, Matthew Modine, Lukas Haas, Lesley Ann Warren, James Woods, Amanda Crew, J.K. Simmons...
Estreno en España: 20/9/2013
Año de producción: 2013
País: EEUU
La película cuenta la historia de Steve Jobs desde que
merodeaba por diferentes clases en la universidad hasta cuando ya ha alcanzado
el éxito con su compañía Apple a finales de los 90. Al acabar de ver la
película te das cuenta de que está mal estructurada, sobre todo porque el guión
trata de condensar demasiados eventos en poco tiempo y aun así pocas cosas
interesantes ocurren en las dos horas que dura la cinta. Ese avance
acelerado en algunas ocasiones hace que la película no se centre en nada en
concreto y vaya dando saltos sin darle la menor importancia a lo que va
contando, avanzando a marchas forzadas y perdiendo el interés del espectador.
18 julio, 2013
Crítica de "Antes del anochecer"
Director: Richard Linklater
Reparto: Ethan Hawke, Julie Delpy, Xenia Kalogeropoulou, Walter Lassally, Ariane Labed, Yannis Papadopoulos, Athina Rachel Tsangari, Panos Koronis...
Estreno en España: 28/6/2013
Año de producción: 2013
País: EEUU
‘Antes del anochecer’ es la tercera etapa de la relación
entre Jesse y Celine, que se conocieron en Viena hace ya 18 años y volvieron a encontrarse
en París hace nueve. Esta vez los dos protagonistas se encuentran en Grecia
pasando las vacaciones de verano junto a unos amigos. Podemos observar el
desarrollo de una pareja que como cualquier otra evoluciona y se deteriora con
el paso del tiempo. La clave es la capacidad de mantener esa magia que creaba
un aura entre ambos en las calles de Viena y de París en los dos anteriores
films, algo muy difícil de conseguir con el paso de los años. Tras el final
abierto de la segunda película más o menos se podía imaginar algo sobre cómo
empezaría este último episodio. Pero hasta que no se ha estrenado la última
parte no se ha podido resolver la intriga que dejó su predecesora en 2004.
16 julio, 2013
Crítica de "Expediente Warren: The Conjuring": Antes de Amityville, estaba Harrisville
Director: James Wan
Reparto: Patrick Wilson, Lili Taylor, Vera Farmiga, Mackenzie Foy, Joey King...
Estreno en España: 19/7/2013
Año de producción: 2013
País: EEUU
Basada en una
historia real, “Expediente Warren: The Conjuring” cuenta la escalofriante
historia de cómo Ed y Lorraine Warren, renombrados investigadores de fenómenos
paranormales, fueron requeridos por una familia aterrorizada por una presencia
oscura en una aislada granja. Obligados a enfrentarse a una poderosa entidad demoníaca, los Warren se
encontraron atrapados en el caso más terrorífico de sus vidas.
La película nos sitúa en la década de 1970, cuando la familia Perron
se muda a su nueva casa. Simplemente con leer esto, muchos pensarán que ésta es
una de esas películas de terror como todas las demás, conocidas como “del
montón”. Sin embargo, nos encontramos ante la que posiblemente sea la mejor
película de terror del año, si no de los últimos años. Y es que su director,
James Wan se ha convertido en uno de los grandes maestros del terror desde que
convirtió una idea que surgió entre dos colegas en una de las películas de las que todo el mundo ha hablado alguna vez,
“Saw”.
13 julio, 2013
Crítica de "The Purge: La noche de las bestias"
Reparto: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane, Rhys Wakefield...
Estreno en España: 12/7/2013
Año de producción: 2013
País: EEUU
Los números de criminalidad están por los suelos, la situación parece ser la idónea en cuanto a estabilidad social, pero ¿a qué se debe este cambio? Una noche al año el gobierno estadounidense permite que se cometa cualquier tipo de crimen sin ninguna intervención policial ante tales sucesos. Durante esa noche cualquier ciudadano puede desahogarse haciendo lo que le plazca: puede matar al vecino que le ha pisado las flores o al jefe que le hace la vida imposible en el trabajo, en ese momento se muestra la verdadera naturaleza salvaje de las personas.
En este contexto el protagonista del film ha conseguido hacer fortuna vendiendo sistemas de seguridad para la noche de la purga. Al comienzo de la noche parece que la familia de los Sandin no va a sufrir ningún problema y va a pasar indemne como cada año. Pero esta noche no es algo fácil de comprender, sobre todo para el hijo pequeño de la familia, ya que entender que puedes matar a quien quieras exento de cualquier tipo de consecuencia legal no es sencillo. Este dilema moral es el que hace que la familia entre en un conflicto para salvarse a sí misma de una amenaza que no esperaban.
13 febrero, 2013
Crítica de "Hitchcock": Alfred Hitchcock y Alma Reville presentan
Director: Sacha Gervasi
Reparto: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, Jessica Biel, Toni Collette, James D'Arcy…
Estreno en España: 1/2/2013
Año de producción: 2012
País: Estados Unidos
He aquí el esperadísimo biopic de una de las
personalidades cinematográficas más destacadas de la historia, centrando su argumento en la etapa en la que Hitchcock
quería romper con lo establecido, buscar una historia personal e impactante,
por la que nadie apostaba y por la que arriesgó todo lo que tenía. Una historia
que llevaría por nombre Psicosis y que junto a muchos otros títulos de su
filmografía, formaría parte para siempre
de las obras cumbres del séptimo arte.
Pero ¿Está este film a la altura esperada? Solo hasta
cierto punto.
Las interpretaciones
son uno de los factores más destacables del metraje, Hopkins (tras 20 kilos de maquillaje)
consigue dar vida satisfactoriamente a Alfred Hitchcock y Helen Mirren
simplemente borda su personaje y se roba para sí la película (en ocasiones
parece que estemos asistiendo a un biopic suyo y no al de su cónyuge). Juntos
reflejan la vida personal que llevó el matrimonio con gran acierto.
La caracterización es especialmente buena, en algunos casos se consigue un parecido espectacular entre actores y personajes (impresionante el parecido entre James D'Arcy y Perkins). Otros como el caso de Scarlett Johansson como Janet Leight y Jessica Biel como Vera Miles no son tan exactos, pero ambas salvan las diferencias con unas interpretaciones a la altura.
La caracterización es especialmente buena, en algunos casos se consigue un parecido espectacular entre actores y personajes (impresionante el parecido entre James D'Arcy y Perkins). Otros como el caso de Scarlett Johansson como Janet Leight y Jessica Biel como Vera Miles no son tan exactos, pero ambas salvan las diferencias con unas interpretaciones a la altura.
La trama utiliza la presión y dificultades que presentó el
dar vida a Psicosis para ayudar a comprender
la personalidad de Alfred Hitchcock, sus
obsesiones (Interesante el recurso de sus conversaciones con C.Manson), su
talento y empeño y a la vez, su humanidad, lo que había más allá de su faceta
de jefe y director. Y por supuesto la ya mencionada vida matrimonial, las inquietudes de la pareja, sus
diferencias y su cariño, tan complejo
como sincero.
Pero a pesar de un
buen resultado en el ámbito descriptivo de personajes y relaciones, la película
solo conseguirá satisfacer por completo a los espectadores que buscan en ella
un modo de entretenimiento o saber algo más sobre este director, pero no
contentará a los más adeptos a él. Pues en un biopic sobre un autor de cine, no
puede faltar cine y aquí se echa en falta.
Si es cierto que se agradecen las escenas de rodaje, los
detalles, de mayor o menos relevancia acerca de ‘Psicosis’, guiños a otros
títulos (antiguos y futuros)… Pero todo se queda ahí, acaba la película y aquel
que ya conocía la trayectoria y datos sobre el cineasta se llevará de la sala
poco más de lo que ya sabía y puede que una sensación de vacío, en el caso
extremo incluso decepción.
¿Merece la pena? En mi humilde opinión, sí. Como ya he dicho, no obtendrás respuestas para
todas las preguntas que un día te hiciste sobre Hitchcock y su cine, pero la
película, en cierto modo, es una forma para acercarte un poco más a él. Además
¿Quién podrá llegar a comprender en su totalidad esta mente creadora? Al fin y
al cabo, es y siempre será El maestro del
suspense.
Nota: 6'5
Daniel Castillo
X Muestra Syfy Madrid
Un año más vuelve a los céntricos Cines Callao de Madrid la Muestra Syfy de cine fantástico, este 2013 en su décima edición. La Muestra tendrá lugar del jueves 7 al domingo 10 de marzo y será presentada (como ya viene siendo costumbre) por la actriz Leticia Dolera (Rec 3). Si el año pasado pudimos ver Hobo with a shotgun, Apollo 18, 4:44... En esta edición también nos encontraremos con películas que no cuentan con distribución prevista en España, por lo que se nos brinda la oportunidad de poder disfrutarlas en pantalla grande. Además de estas proyecciones habrá otros eventos como el Trash entre amigos liderado por Nacho Vigalondo, la doble sesión del Phenomena y preestrenos.
Para comenzar, Syfy se ha decidido por proyectar Oz: Un mundo de fantasía, en un preestreno que tendrá lugar el día 7 y que dará el pistoletazo de salida de la Muestra. El estreno de esta película en España será el día 8 de marzo, y es uno de los grandes proyectos de Disney para este año. La película ha sido dirigida por Sam Raimi (Trilogía Spiderman) que cuenta una vez más con James Franco esta vez como protagonista de este film que muestra los orígenes de el Mago de Oz. Completan el reparto algunas de las actrices que más destacadas del momento: Rachel Weisz, Mila Kunis y Michelle Williams.
11 febrero, 2013
Crítica de "Django Unchained"
Director: Quentin Tarantino
Reparto:
Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry
Washington…
Estreno en España: 18/1/2013
Año
de producción: 2012
País: Estados Unidos
Dos años antes de estallar la Guerra Civil
Americana (1861-1865), King Schultz (Christoph Waltz), un cazador de fugitivos
alemán que le sigue la pista a unos asesinos, le promete al esclavo negro
Django (Jamie Foxx) dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos.
“Más vale tarde que nunca”
Django Desencadenado es una película que tarde o temprano se
presentaría ante nuestras caras, pues muchos de los grandes directores y
actores,(Stanley Kubrick, los hermanos Coen, Clint Eastwood,…), se entregan o
al menos lo intentan a dirigir o producir un western, dado que Tarantino aún
tiene en mente su “trilogía sobre la barbarie humana“ : Malditos bastardos, Django
Desencadenado y Killer crow (esperemos que la traducción de su título sea más
afortunada que Teléfono rojo: Volamos hacia Moscú).
Francamente me esperaba un remake bastante similar a
Django (Sergio Corbucci -1966)
que contó con Franco Nero como protagonista, el cual aparece nuevamente, tras
47 añitos, bajándole un poquito los humos a nuestro esclavo favorito,
pero he podido comprobar que muy poco tiene en común salvo algunos elementos
como los encapuchados o la D muda más famosa que los Beatles.
La banda sonora es razonablemente buena y toma el tema
principal del film de 1966 por Luis Bacalov.
Cierto es que en términos de traducción aún no hemos
acabado de hablar puesto que el doblaje chabacano que se la da a los esclavos
dista mucho de ese antiguo “Si señorita Escarlata” que tanto se ha parodiado.
En lo que a guion se refiere, no es una historia que
despeine y tiene algún que otra escena de relleno que no viene al caso, pero
exceptuando el final inesperado que parece sacado de un baúl con guiones de
serie B, la película está en la línea de Tarantino y no defrauda a su público,
ya sea ocasional o incondicional.
La enseñanza práctica de la película es que no hay que
meterse en la vida o los problemas de los amigos o puedes acabar muerto.
Y finalmente cabe decir que desarrollándose dos años
antes que la guerra de secesión y contando con la fiebre de precuelas que
tenemos hoy día, no sería tan descabellado afirmar que Django Desencadenado
podría ser la precuela de su antecesor de 1966, con un simple cambio de
tono de la piel como el de Nick furia.
Fernando Ciudad
10 febrero, 2013
Crítica de "No"
Director: Pablo Larraín
Reparto: Gael García Bernal, Antonia Zegers, Alfredo Castro, Néstor Cantillana, Luis Gnecco, Jaime Vadell...
Estreno en España: 8/2/2013
Año de producción: 2012
País: Chile
La acción nos sitúa en 1988, cuando el dictador Augusto
Pinochet convocó un plebiscito mediante el cual el pueblo decidiría si seguía o
no liderando Chile. Entonces tras quince años de dictadura férrea con una gran
cantidad de ejecutados y desaparecidos los chilenos tienen la oportunidad real
de dar el paso a la democracia. El equipo creativo que protagoniza el film,
encabezado por René (Gael García Bernal), será el encargado de convencer a la
gente de que se decida por el NO en la votación.
“El presidente va a ganar igual, dejémonos de huevadas”
Con esta frase se puede definir el espíritu derrotista con
el que comienza la acción en la película, ya que nadie realmente cree que sea
posible la victoria de la oposición. Pero serán los medios de comunicación que
habían estado sesgando la información durante quince años los que permitirían a
los opositores de Pinochet expresar sus ideas. El objetivo era conseguir que la gente se
identificara con ellos, y lo más importante, tratar de conseguir que el pueblo
no tuviera miedo de votar en contra del cruel dictador. Esas serían las armas
del equipo de René: la libertad de expresión (tampoco absoluta pero más de la
que habían tenido hasta el momento) y quince minutos diarios de exposición de
sus ideas en televisión.
De esta forma se desarrolla una batalla política mediante la
publicidad, y en esta batalla al igual que ocurre hoy en día la originalidad
del producto tiene un gran valor. Solo con la publicidad es imposible cambiar
un sistema político, pero se puede influir en el pueblo siempre que sea
suficientemente llamativa. Obviamente en una dictadura no se permite que haya
alguna amenaza que pueda derrocar al dictador, por lo tanto aquí se encuentra
la tensión en la película. Aceptar ese trabajo es un peligro para los del NO, y
Larraín es capaz de mostrar muy bien la situación que viven René y su familia a
lo largo de la campaña.
Sin duda uno de los aspectos más característicos de esta película
es su estética, la forma en la que fue grabada. Ya que para realizar el film se
utilizaron cámaras de los años 80, que nos permiten acercarnos a la estética
del momento que se quiere representar, como si estuviéramos dentro de la propia
publicidad. Al principio es un poco chocante ver así la película, pero a medida
que avanza ya no molesta a la vista. El buen uso que le da a la cámara Larraín
y a este sistema en desuso te introduce más en el momento en el que tiene lugar la película y permite que no
haya prácticamente distinción entre las imágenes de ficción y las de archivo.
Se puede decir que es un riesgo grabar así, pero Larraín se desenvuelve
correctamente y le da un toque personal a la película.
Uno
de los reclamos de esta película es que es una de las cinco nominadas al Oscar
a Mejor película de habla no inglesa. Hay que recordar que la gala se celebrará
el día 24 de febrero y que en esta categoría “Amour” parece la clara favorita.
Además “No” es la primera película chilena en conseguir esa nominación.
Para concluir, me parece que “No” es la película que
tendrían que poner en las clases de la universidad de todo aquel que se quiera
dedicar a la publicidad y a cualquier ámbito del medio audiovisual.
Nota: 7'5
Alejandro Rodera
07 febrero, 2013
Crítica de "Las ventajas de ser un marginado"
Para contar las películas que hay ambientadas en institutos harían
falta los dedos de las manos de medio continente europeo. Esas películas con
el típico profesor enrollado que va a congeniar con el rarito de clase que
resulta ser un genio o en las que los menos aceptados acaban teniendo su
espacio y socializando con los más populares del instituto.
Pero el valor de “Las ventajas de ser un marginado” reside en que a pesar de contar con esos personajes que a primera vista pueden parecer tópicos, saca adelante una historia fascinante en la que lo importante no es la aceptación de la gente dentro del instituto ni la popularidad, sino ser capaz de convivir contigo mismo y apoyarte en aquellos amigos que sabes que van a estar ahí, aunque les conozcas desde hace poco.
En esto se basa la película de Steven Chbosky, que se atreve
valientemente y con muy buenos resultados a adaptar su propia novela publicada
en 1999. La película ha obtenido el reconocimiento del National Board of
Review, que la incluyó entre los diez mejores films del año, junto a seis de
las nominadas al Oscar a Mejor película. Además la cinta de Chbosky también fue
nominada a Mejor guion adaptado por el WGA (el gremio de guionistas), por lo
que no habría sido una gran sorpresa que hubiera estado nominada al Oscar en
esa categoría.
El trabajo de Logan Lerman (“El tren de las 3:10”), Emma
Watson (saga de “Harry Potter”) y Ezra Miller (“Tenemos que hablar de Kevin”) como
el trío protagonista nos deja con unos personajes que tratan de mostrarse tal y
como son, esa naturalidad y libertad que tan difícil es de encontrar en las
producciones hollywoodienses. Esta relación que une a Charlie (Lerman) y a sus
dos amigos parece tan real que hasta el espectador se mete dentro de esos
bailes de instituto, en las fiestas… y los identifica con sus propios amigos o
consigo mismo, y es entonces cuando te metes en la piel de un personaje cuando
de verdad la película significa algo. En papeles secundarios la película cuenta
con conocidos actores como Paul Rudd, Dylan McDermott, Kate Walsh y Joan Cusack
entre otros.
El desarrollo fluido de la narración se consigue con la estructura epistolar de la novela, manteniendo una de las características propias de Charlie: contarnos directamente sus sentimientos con la excusa de escribir las cartas dirigidas a un amigo. Así podemos apreciar la evolución de este personaje que se va complicando más y más a medida que avanza la historia. La película nos sirve para ver también la introducción de un joven reservado al mundo del alcohol, las drogas, las fiestas… pero sin convertirse esto en un problema para el protagonista sino que simplemente se muestra la entrada a la adolescencia de un joven que había dejado aparcada su inocencia hace tiempo.
El desarrollo fluido de la narración se consigue con la estructura epistolar de la novela, manteniendo una de las características propias de Charlie: contarnos directamente sus sentimientos con la excusa de escribir las cartas dirigidas a un amigo. Así podemos apreciar la evolución de este personaje que se va complicando más y más a medida que avanza la historia. La película nos sirve para ver también la introducción de un joven reservado al mundo del alcohol, las drogas, las fiestas… pero sin convertirse esto en un problema para el protagonista sino que simplemente se muestra la entrada a la adolescencia de un joven que había dejado aparcada su inocencia hace tiempo.
En resumen, “Las ventajas de ser un marginado” es una de
esas pocas películas con las que nos encontramos cada año que realmente tiene
valor y que no es simplemente un producto superficial más. Le pongo un 9 (infinito).
Suscribirse a:
Entradas (Atom)